MARILYN MONROE O LAS CURVAS AL INFIERNO

Marilyn Monroe es de esas mujeres que permanecerá para  siempre en la memoria colectiva como el mito e icono sexual por excelencia, sin embargo, como muchas otras rutilantes estrellas de Hollywood, tuvo una dura e infeliz infancia. Abandonada al nacer en casa de unos vecinos, fue recuperada por su madre cuando ya contaba con siete años. Una mujer con un grave problema mental que la propia Marilyn sospechó heredaría hasta el mismo día de su muerte. Se podría decir que tuvo un padre indeterminado ya que uno de los maridos de su madre fue el que le dio su apellido noruego, Mortenson.

Norma Jean Mortenson pasó su infancia en varias casas de acogida que diríamos en la actualidad, y se vio envuelta en asuntos  de malos tratos y abusos sexuales, así que a los dieciséis años se casó para no verse obligada a volver al orfanato. Su joven esposo se alistó en la marina mercante y fue enviado a Catalina Island, donde había muchos marineros y muy pocas mujeres. Pronto descubrió su bella esposa el inmenso poder que estaba a su alcance, en cada una de sus curvas. Así fue descubierta por un fotógrafo para revistas masculinas y posando como modelo se le abrieron  las puertas de Hollywood. Sus primeras intervenciones cinematográficas fueron tan intranscendentes que su contrato con la productora no duró ni dos años, sin embargo no pasó desapercibida para hombres como Orson Welles o Charlie Chaplin Jr.  del que quedaría embarazada y más tarde abortaría.

Todos la querían por su escultural cuerpo y le ofrecían papeles de rubia tonta dado el, por el momento escaso, talento de Marilyn, (se esforzó por prepararse concienzudamente para su carrera cinematográfica, sin embargo este talento quedaba siempre oculto tras su magnífica figura).

El rodar nada menos que cinco películas en un solo año que poco  aportaron a su carrera de actriz, y el fallecimiento de John Hyde, su amante y protector, le llevaron a tontear con los sedantes y las anfetaminas hasta el punto de intentar suicidarse. Fue gracias precisamente a Hyde que Marilyn obtuvo su primer papel importante en “Jungla de Asfalto” de John Huston en 1950.

 Sus generosas curvas y cara inocente de ojos enormes y desmesurados son expuestos en el musical “Los Caballeros las Prefieren Rubias” dirigida en 1953 por Howard Hawks. La crítica del momento consideraba aceptable  la cinta gracias precisamente a la belleza y exuberancia de las actrices en general y de Marilyn en particular.

 En 1954 contrajo matrimonio con Joe DiMaggio, estrella del beisbol americano, que difícilmente podía soportar que Marilyn siguiera mostrando sus bondades al gran público. La puntilla para este sufridor esposo fue el rodaje de “La Tentación Vive Arriba” del gran Billy Wilder  en 1955. Las esculturales piernas  de Marilyn en todo su apogeo con miles de ojos devorándola fue el desencadenante para iniciar los trámites del divorcio.

 En 1956 contrae matrimonio en secreto con el dramaturgo Arthur Miller llegando a ser el blanco de comentarios jocosos por parte de la prensa  dada la gran diferencia intelectual entre ambos. Comienza en 1957 el rodaje de “El Príncipe y La Corista” junto a Laurence Olivier. Se originaron tales desavenencias entre ambos dentro y fuera de la pantalla que el propio Miller tuvo que intervenir como mediador. En plena cumbre de su carrera acepta a instancias de su esposo un papel secundario en la película “Con Faldas y a lo Loco”, pero Billy Wilder no era un director de poca monta al que se le decía que no. Rodó la película embarazada y bellísima, haciendo suspirar a propios y extraños en un papel que no pocos definieron como una interpretación de sí misma. (Abortó un día antes de finalizar el rodaje).

De nuevo saltaron las chispas y no de amor precisamente durante el rodaje de “Vidas Rebeldes” en 1961 junto a Clark Gable y basada en un guión del propio Miller. Fue tal el enfrentamiento que cuando poco después de finalizar el rodaje Gable falleció de un ataque al corazón, hubo quienes culparon a Monroe por lo ocurrido. También esta fue la última película de la actriz ya que su fallecimiento aconteció durante el rodaje de lo que sería su vigesimonoveno film.

Por todos es bien conocida su relación con John F. Kennedy, relación esta que mantuvo durante la década de los cincuenta con encuentros esporádicos a espaldas del esposo “en vigor”. Mientras la vida de Marilyn  se desmoronaba la carrera política del senador subía como la espuma. Su divorcio de Miller la dejó tan sumamente deprimida que sus amigos decidieron ingresarla en una clínica mental. Sin embargo gracias a uno de sus ex maridos fue sometida, lejos de aquella clínica, a una cura de desintoxicación. Sin embargo sus escarceos con la droga no terminaron ahí. Todos recordamos el famoso Happy Birthday Mr. President en el que Marilyn aparece no solo exuberante sino como abducida por las luces de la Casa Blanca representada por su amante Kennedy.  La necesidad acuciante de amor sincero que buscaba en JFK nunca se satisfizo llevando a la actriz al desequilibrio que desembocó en la ruptura unilateral y sin miramientos de Kennedy. Éste como si de un traje que aún está en buen uso se tratara, se la “cede” a su hermano Bob que por aquel entonces era el fiscal general y que con el tiempo también “desechó” a Marilyn. Despechada intentó dar una rueda de prensa para airear sus escarceos con el presidente y el fiscal general de los Estados Unidos de América. Podemos imaginar el escándalo de proporciones épicas que esto hubiera supuesto.

 Marilyn era una mujer con escasa confianza en sí misma que siempre actuaba de buena fe siendo traicionada en más de una ocasión por sus “amigos”. Nuestra querida Marilyn falleció el 5 de agosto de 1962 por sobredosis con barbitúricos en la más absoluta soledad, después de mendigar durante toda su vida amor y cariño y recibiendo únicamente reconocimiento por ser la mujer más sexy de la tierra.

BORIS KARLOFF, TERRORÍFICAMENTE GENTIL

En realidad a Boris Karloff o William Henry Pratt, ese era su verdadero nombre, nunca le gustó especialmente el cine fantástico y de terror, sin embargo no le importó quedarse encasillado en papeles de dicha temática. Sus rasgos particulares, su dicción y una curiosa fotogenia, le convierten en la perfecta representación del villano. Nació en Londres el 23 de noviembre de 1887 y aunque en principio su deseo era ser funcionario en una embajada, su familia se traslada a Canadá en 1909 donde comienza una precoz carrera teatral que le llevaría a Hollywood debutando en el cine con la película "La Muda de Portici" en 1916. Su verdadero salto a la fama lo dio en 1931 de la mano de Howard Hawks en "El Código Penal" donde interpreta a un verdugo.

Ese mismo año alcanzó el estrellato Bela Lugosi por su papel como Conde Drácula, actor de origen húngaro en el que se pensó en un principio para la película "Frankenstein". El actor rechazó el papel por temor a que no se le reconociera tras el maquillaje, así que el director James Whale recurrió a Boris Karloff para interpretar al monstruo, consagrándolo como maestro del cine de terror. Sin embargo ambos coincidirían en siete películas "The Black Cat", que se tradujo como "Satanás", de Edgar G. Ulmer en 1934, "El Cuervo" del director Lew Landers en 1935, "The Invisible Ray" de Lambert Hillyer en 1936, "The Son of Frankenstein" dirigida por Rowland V. Lee en 1939, "Black Friday" de Athur Lubin en 1940 o "The Body Snatcher" de Robert Wise en 1945.

Estas conjunciones cinematográficas dispararon una serie de rumores sobre la rivalidad entre ambos actores, sin embargo su hija en La Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián del 2000, rechazó todos esos rumores alegando que ambos se profesaban un mutuo respeto profesional y que fue cosa de la prensa el intentar que creciera una enemistad que nunca existió.

Muchas veces se le preguntó a su única hija Sara, fruto de su relación con Dorothy Stine, si su padre tenía algo en común con los personajes que interpretaba. "Era la antítesis de los papeles que representó, era un hombre gentil, cariñoso y modesto que trabajó mucho por mejorar las condiciones de trabajo de los actores poco conocidos".

Sin duda la década de los treinta fue su mejor década con más de cincuenta películas entre las que cabe destacar, además de todas las protagonizadas junto a Bela Lugosi, "Scarface" un drama criminal de Howard Hawks; "La Máscara de Fu-Manchú" del director Charles Brabin o "La Momia" de Karl Freund.

Otros títulos dignos de mención son "La Novia de Frankenstein" dirigida por James Whale, director con el que trabajó en la cinta que le lanzaría a la fama, "Frankenstein" o "The Walking Dead" de Michael Curtiz.

Pero también participó en otros géneros como fue "La Patrulla Perdida" cine bélico del director Jonh Ford e incluso se atrevió con la comedia "La Vida Secreta de Walter Mitty" en 1947 junto al genial cómico Danny Kaye en una adaptación de la novela de James Thurber que fue llevada de nuevo al cine en 2013 dirigida y protagonizada por Ben Stiller.

Muy poca información he encontrado sobre él a excepción de que se cambió el nombre para no deshonrar a la familia, recordemos que había iniciado una carrera diplomática, su padre era diplomático en Londres. Abandonar una carrera como la que había emprendido para hacerlo en busca de suerte en el mundo de la farándula no podía de ningún modo ser del agrado de su familia. Por otra parte, como se mencionó, era un hombre afable y gentil que nada tenía que ver con los personajes que interpretaba, tuvo cuatro relaciones y una única hija a la que llamó Sarah.

Con más de doscientas películas en su haber, Boris Karloff continuó trabajando hasta poco antes de su muerte en una serie de cintas de terror del director mejicano Juan Ibáñez, "La Muerta Viviente", "Invasión Siniestra", "La Cámara del Terror", y "Serenata Macabra" todas ellas en 1968.

El 2 de febrero de 1969 fallece en su casa de Sussex, Gran Bretaña, dejándonos el legado para siempre del monstruo que la torturada alma de Mary Shelley plasmó en su novela, pero esa es otra historia.

OLIVIA DE HAVILLAND, ESCLAVA DE HOLLYWOOD

Olivia Mary de Havilland es una de las actrices más sobrias y elegantes de la historia del cine. Nació en Tokio el 1 de julio de 1916 y cuando sus padres, abogado él y actriz ella, se divorciaron se trasladó con su madre y su hermana mayor la también actriz Joan Fontaine, a California. Fue descubierta por Max Reinhardt cuando participaba en la obra teatral "Sueño de una Noche de Verano" y le propuso un papel en la película homónima que él mismo dirigiría. Después de este gran trabajo con la Warner emprendería una carrera cinematográfica de cerca de una cincuentena de películas. Durante los años treinta formaría junto al galán Errol Flynn una de las parejas cinematográficas más relevantes y queridas del momento. Su primera aparición juntos fue en "El Capitán Blood" en 1935 del cineasta Michael Curtiz. 

Protagonizaron siete películas juntos siendo alguna de las más destacadas "Robin de los Bosques" y "Camino de Santa Fe" ambas del mismo director, Michael Curtiz. Su última aparición juntos fue en la reseñada cinta del Motel "Murieron con las Botas Puestas". Fue tal la química entre ellos que mantuvieron un sonado romance no sin altibajos. Durante el rodaje de "Camino de Santa Fe", Flynn se las ingenió para que De Havilland saliera de espaldas a la pantalla, según la propia Olivia Flynn estaba celoso porque Jimmy Stewart estaba rodando otra película en el mismo estudio y se pasaba a saludarla pasando mucho tiempo juntos.

Bien conocida es la enconada rivalidad y enemistad entre Olivia y su hermana Joan Fontaine, enfrentadas desde niñas, continuaron con su rivalidad haciéndose constantes desplantes en lugares tan públicos como puede ser una gala de los Oscar. Y siguieron con ella hasta la muerte de Joan Fontaine en 2013.

Su papel más relevante o por el que siempre será recordada es  Melanie en la gran producción de la época "Lo que el Viento se Llevó" de 1937 dirigida por Victor Fleming. Dicho papel le valió una nominación al Oscar como mejor actriz secundaria, según sus propias palabras "fue una de las experiencias más extraordinarias y personalmente más satisfactorias de toda su vida". 

Recibiría dos nominaciones más pero como mejor actriz por su papel en "Si no Amaneciera" bajo la supervisión de Mitchell Leisen, sin embargo el premio se lo llevó su hermana por su papel en "Sospecha" de Hitchcock. Volvió con Leisen a ser nominada como mejor actriz alzándose con el preciado galardón por su interpretación en "La Vida Intima de Julia Norris". Una vez más la enemistad entre las hermanas se hizo patente cuando Olivia ignoró la mano con la que su hermana deseaba felicitarla.

En 1948 volvió a ser nominada a los Oscar por la película "Nido de Víboras" sin embargo fue al año siguiente por su papel junto a Montgomery Clift en "La Heredera" que recibió su segundo Oscar.

Durante un tiempo se erigió en abanderada de los derechos de los actores demandando a la Warner al amparo de la ley anti-peonaje de California, una regulación napoleónica que impedía a los patronos reducir a los trabajadores a la servidumbre ya que consideraba que los actores eran tratados casi como esclavos, propiedad de los estudios cinematográficos a los que estaban ligados. Ante el enfado de la Warner fue suspendida de modo que estuvo sin poder rodar durante todo el pleito que duró tres años. Salió victoriosa en su demanda sentando una jurisprudencia que ha beneficiado a muchos de sus compañeros del gremio.

Después del éxito cosechado con "La Heredera" apareció en algo más de una docena de filmes de los que cabría destacar "La Princesa de Eboli" en 1955, "El Rebelde Orgulloso" de nuevo de la mano de Michael Curtiz; "Aeropuerto 77" junto a Jack Lemmon, James Stewart o Christopher Lee. Su última aparición en la gran pantalla fue con el film "El quinto Mosquetero".

En cuanto a su vida personal, quizás era su enconada rivalidad con su hermana lo más conocido. Rivales no solo en cuanto a éxitos profesionales sino en cuanto a hombres ya que su hermana se casó con un ex novio de Olivia. Se casó en dos ocasiones y se divorció otras tantas sin embargo cuidó de su segundo ex marido Pierre Galante, con el que mantenía una excelente relación, hasta su fallecimiento en 1998. 

Esta mujer que en la actualidad ronda los cien años, reside en París escribiendo unas memorias que sin duda nos dejarán con la boca abierta.

CHARLIE CHAPLIN, EL VAGABUNDO INGLÉS

 Es difícil hablar de Charles Chaplin y no recordar automáticamente al pequeño y entrañable vagabundo de grandes zapatones, pícaro pero de gran corazón. Considerado como uno de los genios indiscutibles que ha dado el séptimo arte, Charles Spencer Chaplin nació en Londres el 16 de abril de 1889 dentro del mundo de la farándula. Su madre Hannah Hill era actriz cómica que aportó un hijo a su matrimonio con Charles Chaplin Senior llegando a ser el hermano mayor e inseparable del pequeño Charlie. Por desgracia su padre cayó en el mundo del alcohol echando a perder su talento encima de los escenarios. Este hecho y la mala salud de su madre hace que debutara con solo cinco añitos en un escenario cantando mientras los soldados le arrojan monedas cual maná caído del cielo. Las clases de mímica que le impartía su madre le convirtieron sin duda en uno de los mejores mimos de la historia del cine y con 25 años creó al vagabundo Charlot dotándole de gran parte de su propia personalidad, plasmando su difícil infancia llena de carencias y dificultades. Apareciendo por primera vez en la película decisiva, "El Vagabundo". Fue tal el éxito de su personaje que llegó a imponerse sobre el propio Chaplin, llegando a sentirse abrumado cuando por fin es consciente de la gran  notoriedad adquirida fuera de sus fronteras. Firmó un contrato con la Mutual por 670.000 $ al año haciendo de él una de las cinco personas en el mundo que ganaban semejante cantidad por su trabajo. Era grande, el rey, sin embargo como él mismo comentó le habían sucedido tantas cosas, que ya no le quedaban emociones; estaban agotadas. No obstante su privilegiada mente no cesaba de trabajar para inventar historias y gags. Las ideas fluyen con facilidad y cuando le preguntan al respecto no es capaz de contestar satisfactoriamente, "a lo largo de los años he descubierto que las ideas surgen cuando se siente un intenso deseo de tenerlas. Al estar deseándolo sin cesar, la mente se convierte en una especie de atalaya para la búsqueda de incidentes que  exciten la imaginación".

En 1918 contrae matrimonio con la joven actriz de dieciséis años Mildred Harris sin embargo el matrimonio apenas dura dos años. Iniciar relaciones con mujeres tan jóvenes fue una constante en su vida que le trajo más de un quebradero de cabeza.

"El Chico" fue su primera película larga en 1921 en la que de manera minuciosa Chaplin nos describe la vida en los barrios pobres de las grandes ciudades americanas, llegando a meter el dedo en la llaga de cierta parte de la, considerada próspera, sociedad americana.

Unas imágenes de buscadores de oro en Alaska excitarán la imaginación de Chaplin llevándole a crear lo que él consideraba iba a ser su gran película "La Quimera del Oro" en 1925.  La demanda de divorcio de su segunda esposa hace que estalle un escándalo de proporciones casi estratosféricas en el que toda la nación toma parte ya que ésta airea su vida íntima con Chaplin poniendo los pelos como escarpias a toda el país. Sin embargo después de firmar la demanda puede retomar aquello que tuvo que dejar pendiente durante el proceso, el rodaje de "El Circo". Su estreno en 1928 constituye un éxito inesperado después del vilipendio al que fue sometido por parte de de la opinión pública.

Un nuevo reto se presentaba ante Chaplin  cuando estaba ya perfilando el guión de su próxima película. El cine hablado ha comenzado una carrera imparable en la que Chaplin no cree. Sin embargo las salas se llenan de espectadores que de ningún modo pueden concebir ya el visionado de una cinta muda. Pero el pequeño Charlot no debe hablar, su mundo es silencioso, su gestualidad es más que suficiente para nuestro Chaplin que contraviniendo sugerencias y enfrentándose a hostilidades, tiene fe en que su nueva película tiene mucho que transmitir y prosigue con la producción de "Luces de Ciudad". Su estreno en 1931 no había despertado ninguna expectación, no había recibido ningún tipo de publicidad así que el propio Chaplin inició una campaña publicitaria con rueda de prensa incluida en la que explicó a todo el que lo quisiera oír, los motivos por los que había hecho una película muda cuando el cine sonoro estaba en pleno auge.

Sorprendentemente Chaplin era una persona sobre la que las ligas de la decencia y los puritanos se cernían como una nube amenazadora. El rodaje de su siguiente película provocó que los periódicos la consideraran comunista e incluso se le acusó de haberla mandado a Moscú para recibir su aprobación. Fue tal la magnitud de la polémica que se vio obligado a dar una rueda de prensa en la que el propio Chaplin explicó: "La historia, ("Tiempos Modernos"), gira en torno a las sorprendentes cosas que pueden suceder a las gentes sencillas, que no quieren ni agredir ni injuriar. Para simbolizar nuestro tiempo, he presentado grandes máquinas en las cuales me extravío". Su estreno en 1936 estuvo rodeado como era de esperar, de una gran expectación alcanzando un éxito totalmente asombroso. Chaplin cierra una etapa con esta cinta en la que nuestro entrañable vagabundo se despide para siempre.

Decide emprender una nueva etapa con el cine hablado que ya había alcanzado su clímax y se decanta con una parodia del dictador Hitler. Una osadía semejante no podía pasar inadvertida hasta el extremo de recibir amenazas anónimas. Contra viento y marea emprende el rodaje de este nuevo proyecto con más ganas si cabe. En 1940 con el panorama político al rojo vivo, Chaplin decide estrenar la cinta. Una vez más resulta un éxito de taquilla aunque no exento de amenazadora animadversión por parte de los simpatizantes de Hitler. "El Gran Dictador" llega a ser una obra maestra con un discurso final en el que el barbero confundido con el dictador nos habla de la libertad que los dictadores desean para sí mientras esclavizan al pueblo y de la necesidad de luchar contra el odio, la codicia y la intolerancia.

A punto de estrenar en Londres "Candilejas", su última película en tierras americanas, recibe la noticia de que el gobierno americano ha abierto expediente contra él acusándolo de supuestas actividades antiamericanas. Definitivamente su historia de amor con Estados Unidos había llegado a su fin.

Nominado al Oscar en varias ocasiones y premiado por la banda sonora de "Candilejas", recibió un Oscar honorífico por toda su carrera en 1971.

Padre de nada menos que once hijos, este genio fue perseguido, vituperado y desde luego incomprendido. Los escándalos por su vida amorosa fueron casi una constante en su vida hasta que encontró el amor definitivo junto a Oona O'Neill de dieciocho años cuando él ya contaba con cincuenta y cuatro años.

Escribió y dirigió gran parte de sus películas además de ser el creador de la banda sonora de más de una de sus cintas. Chaplin falleció en su casa de Suiza el 25 de diciembre de 1977 dejándonos a todos con el recuerdo del entrañable vagabundo de grandes zapatos y pequeño bombín.

JOAN FONTAINE, ¿LA REBECA MAS CÁLIDA?

Hija de expatriados británicos Joan de Beauvoir de Havilland, nació un 22 de octubre de 1917 en Tokio, Japón. Tanto ella como su hermana, la también famosa Olivia de Havilland, recibieron una espartana educación con una madre formada como actriz en la Real Academia de Arte Dramático que las obligaba a recitar a Shakespeare con perfecta dicción, de lo contrario recibían golpes en los nudillos.

Sus primeros pinitos en el mundo de la interpretación fueron en el teatro con dieciocho años y su debut en el cine fue con alias, Joan Burfield y Joan St. John después de estudiar arte dramático (a este respecto he encontrado informaciones contradictorias sobre el lugar, así que omito este detalle). Katherine Hepburn la puso en contacto con un productor de la RKO que le consiguió  un papel en la película "Olivia" en 1937 en la que la propia Hepburn participaba.

Comenzó a recibir cierta notoriedad a partir de un papel junto a Fred Astaire en "Señorita en Desgracia". Como consecuencia recibió papeles de cierta relevancia como en "Gunga Din" junto a mi adorado Cary Grant o en "Mujeres" de la mano del director George Cukor. Pero sin duda su salto a la fama lo dio en 1940 interpretando a la cándida, tímida y dulce Rebeca en la película de mismo nombre dirigida por el maestro Hichtcock. Gracias a esta interpretación recibió su primera nominación al Oscar.

Fue su aspecto dulce lo que hizo que recibiera mas papeles de semejante calado llegando a quedarse encasillada.  Es curioso este hecho con respecto a su apariencia ya que era bien conocida por su afilada lengua y su enconado enfrentamiento con su hermana Olivia de Havilland, enemigas hasta la muerte. Ella misma dijo que su hermana era un león y ella un tigre y según las leyes de la jungla jamas podrían ser amigas.

Solo un año después de Rebeca y de nuevo de la mano del maestro del suspense protagonizó "Sospecha"  una vez mas junto a Grant, pasando a englosar la lista de rubias de tito Alfred. Su magnifica interpretación le reportó un Oscar a la edad de veinticuatro años, siendo la actriz mas joven en recibir el preciado galardón en la época dorada de Hollywood.

Su tercera nominación la obtuvo con el director Edmund Goulding, por su trabajo en "La Ninfa Constante". Papel por cierto que logró mientras paseaba con su marido, también del mundo del celuloide, gracias a un desaliñado aspecto que hizo que el director se fijara en ella y la propusiera para el rol antes incluso de que la llegara a reconocer, tal era su apariencia.

En 1947 salió de su encasillamiento de mujer tímida interpretando roles perversos y malvados como en "Ivy" (Abismos) de Sam Wood o "Nacida Para el Mal" de Nicholas Ray.

En los años cincuenta se vio envuelta en un escándalo a raíz de su papel en "Isla al Sol"

junto a Harry Belafonte. Según palabras de la propia actriz "fue una cinta que se anticipo a su tiempo. El beso que Harry Belafonte, actor de raza negra, y ella se dan, levantó ampollas

llegando a recibir denuncias y amenazas de todas las ligas de la decencia incluido el KuKuxKlan. Resultaba chocante una escena en la que un negro en aquella época entrara en un restaurante para blancos y mas aun que se besara con una mujer blanca. Era demasiado para una América tan puritana".

Cuando Joan Fontaine le concedió una entrevista a Terenci Moix, (gracias a él llegue a conocer innumerables anécdotas de la época dorada de Hollywood) hablaba de sus diferentes compañeros de reparto como Orson Welles con el que coincidio en "Jane Eyre", definiéndole como un hombre muy difícil al que se le notaba que no disfrutaba actuando.  De Laurence Olivier, su compañero en "Rebeca", comentó que era magnífico y que Charles Boyer, su partenaire en "La Ninfa Constante", era un hombre dulce y gentil que se preocupaba por la interpretación de ella facilitándole el trabajo lo máximo posible. Otras grandes cintas de la actriz son "Ivanhoe"de Richard Thorpe  y "Otelo" de Orson Welles en 1952.

Casada y divorciada cuatro veces consideraba que el matrimonio terminaba en el momento que escuchaba la marcha nupcial. Tuvo dos hijas y además fue una excelente piloto profesional.

Joan Fontaine falleció en su casa de California el 16 de diciembre de 2013, sera siempre recordada por "Rebeca" llegando a dar nombre a la prenda que la actriz luce durante gran parte del metraje.

SHIRLEY MACLAINE, LA BAILARINA ESPIRITUAL

Actriz, bailarina y escritora, Shirley MacLaine Beatty  nació en Richmond, Virginia el 24 de abril de 1934 mamando desde su más tierna infancia la pasión por la danza y el arte en general ya que su madre era una excelente bailarina y pintora. Esto sin duda la llevó a inscribirse en la Washington School of Ballet iniciando su carrera artística como corista en Nueva York a los dieciséis años. Ella misma reconoce que el hecho de que la llamaran Shirley por la niña prodigio Shirley Temple, hizo que deseara  vivir como ella. Tanto ella como su hermano Warren Beaty desarrollaron este amor por el séptimo arte.

La suerte para ella vino de la mano de la obra "The Pajame Game" (1954) en la que tuvo que reemplazar a Carol Haney cosechando tal éxito que fue lo que le abrió definitivamente las puertas de Hollywood. Un productor se fijó en ella y la propuso para un papel en la comedia negra "¿Quién Mató a Harry?" de Alfred Hitchcock en 1955. A partir de ahí la veríamos en otras grandes películas como "La Vuelta al Mundo en 80 Días" junto a David Niven y Mario Moreno "Cantinflas".

Otras películas en las que participó fueron "Furia en el Valle" de 1958, "La Casamentera" o "Como un Torrente" de Vicente Minelli lo que le valió su primera nominación al Oscar. Aunque quizás sus más emblemáticas películas sean "El Apartamento" de Billy Wilder junto a un fantástico Jack Lemmon. Esta fue una de esas películas que comenzaron a rodar con solo treinta páginas de guión. Wilder y Diamond iban escribiendo la continuación a medida que iban rodando. (Tenéis un análisis más profundo de la cinta en el Motel.) También este film le valió una más que merecida nominación al Oscar. Su maravilloso papel en la comedia de Billy Wilder "Irma La Dulce", de nuevo junto a Jack Lemmon supuso su tercera nominación a la preciada estatuilla en 1963.

En la década de los setenta su incursión en el cine fue más bien escasa con cintas como "Dos Mulas y una Mujer" junto a Clint Eastwood o "Bienvenido Mr. Chance" al lado de Peter Sellers. Hasta 1983, tras cuatro nominaciones, no logró el preciado galardón de Hollywood por su papel como Aurora junto a Jack Nicholson en "La Fuerza del Cariño".

Se casó una sola vez y tuvo una hija Sachi que es su gran pasión. Shirley es una mujer de inquietudes espirituales que medita buscando la paz interior. Este hecho se refleja en los libros que ha escrito, algunos de ellos con el fin de ayudar a otros en ese periplo espiritual como "Lo que sé de mí" o "Dentro de mí" en el que claramente quiere ayudar a sus lectores a utilizar técnicas espirituales que les ayuden a ser más felices. Personalmente leí uno de sus libros "Baila mientras puedas", en los que destaca sobre todo su papel como bailarina. Después de un lapso muy grande de tiempo aproximadamente unos treinta años, retomó su carrera como bailarina así que con cincuenta años bailaba el Can-Can hasta que una lesión de rodilla la apartó por un tiempo de los escenarios y durante su retiro que no solo fue para su rehabilitación, meditó en su propia espiritualidad y lo incompatibles que eran su pasión por el espectáculo en el que el egocentrismo es el único eje, y la espiritualidad despojada de todo eso que ella misma deseaba para sí.

JAMES STEWART, EL CABALLERO ANDANTE

Él es de esos hombres no solo elegantes sino que además emanaba una ternura que era capaz de despertar los instintos maternales de no pocas mujeres. James Maintland Stewart nació en Indiana, Pennsylvania el 20 de mayo de 1908 y aunque cursó estudios de arquitectura se decantó por el teatro en parte gracias a su afición por la música, tocaba el acordeón. En el local anejo al que él tocaba se reunía un grupo de teatro y le ofrecieron un papel a cambio de que dejara de tocar el acordeón, así que no se le debía de dar demasiado bien. Actuar era de lo más natural para él, este hecho desesperaba al propio Henry Fonda ya que a él le suponía horas de ensayo hacerse con un personaje. Tuvo una más que fructífera carrera teatral lo que le llevó a adentrarse en el mundo del cine cuando un ejecutivo de la Metro se fijó en él. Gracias a la ex-esposa de Henry Fonda consiguió un papel en Cuando Volvamos a Amarnos en 1936 que le hizo despegar definitivamente como actor en Hollywood. Pero fue sin duda Frank Capra el que vio en él el icono idealista y generoso; defensor de las libertades y derechos de la humanidad y le vio como el actor ideal para interpretar el papel de Jefferson Smith un joven senador idealista que quiere destapar la corrupción que le rodea en Caballero Sin Espada, 1939, en detrimento de Gary Cooper en el que también se había pensado para el papel. Su magnífica interpretación le valió una nominación al Oscar.

Una faceta muy poco conocida del actor es su actividad radiofónica. En los años treinta nadie era verdaderamente famoso si no dedicaba parte de su tiempo a las ondas. Sin embargo sus mayores alegrías se las reportaría el cine como cuando en 1940 recibió el Oscar que se le escapó en la anterior nominación gracias a su papel de reportero cínico en Historias de Filadelfia (también analizada en el Motel) junto a dos pesos pesados del momento, Cary Grant y Katherine Hepburn. Con Lubitsch cambiaría de registro en El Bazar de las Sorpresas, una de sus mejores películas, interpretando un papel lejos del enternecedor Jimmy para convertirse en un dependiente ácido y duro que trata con antipatía a una desvalida Margaret Sullavan.

Con la guerra se alistó en el ejército pilotando aviones de bombardeo llegando a recibir una nutrida variedad de medallas. Cuando fue dado de baja del servicio en 1945 tenía el rango de coronel. Pero nunca quiso que sus heroicidades de guerra fueran utilizadas para promocionar su carrera cinematográfica.

Ligado a James Stewart estará siempre una de las películas más emblemáticas de Estados Unidos ¡Qué Bello es Vivir! de Capra en 1946 en la que se resaltan los valores de la vida americana llevando al espectador a una Navidad eterna en la que todo es como un cuento de hadas. Algo así debieron vivir los americanos cuando visionaron esta cinta que al menos hasta los años noventa era proyectada en la televisión americana entre el Día de Acción de Gracias y Navidad.

Por esos años entró en contacto con Alfred Hitchcock que le hizo sacar el individuo más entero y profundo que sin duda la guerra con sus intensas experiencias había moldeado. Ejemplo de ello lo tenemos en La Soga, película considerada menor; Vértigo junto a Kim Novak; El Hombre que Sabía Demasiado junto a Doris Day que canta ese por todos conocido "Qué será, será" y La Ventana Indiscreta, cinta que considero una obra de arte junto a una bellísima Grace Kelly en la que Stewart nos muestra un inquietante perfil psicológico lleno de claroscuros mirando lo que no debía como un voyeur que nos hace partícipes de sus observaciones.

Otro de los grandes directores con los que trabajó fue Anthony Mann con nada menos que cinco westerns en los que ya su carácter había sido endurecido. Horizontes Lejanos en 1952 o El Hombre de Laramie 1955 nos muestran a un James Stewart  mal rasurado, polvoriento y vapuleado, muy lejos del tierno idealista y caballeroso hombre que nos mostraban en sus inicios cinematográficos. Esta década culminó con  una magnífica interpretación en Anatomía de un Asesinato como abogado enfrentado a un caso de sexo y asesinato.

Pero todavía le quedaban papeles que interpretar de la mano de John Ford. En Dos Cabalgan Juntos en 1961 se hace cargo de un personaje que perfectamente podría ser una continuación de los interpretados en las películas de Anthony Mann o El Hombre que Mató a Liberty Valance en 1962 junto a Lee Marvin y John Wayne. De sus últimos papeles podemos destacar Aeropuerto 77 o La Magia de Lassie de 1978.

De su vida personal solo podemos destacar que fue un hombre sumamente discreto, se casó una sola vez en 1949 con una mujer que aportó dos hijos al matrimonio y dos años más tarde tuvieron dos gemelas en común. En 1971 falleció uno de sus hijos durante la guerra de Vietnam haciendo salir a la luz su vena patriótica y hablando de lo orgulloso que estaba de que su hijo hubiera muerto sirviendo a su país. James Stewart falleció en Los Ángeles el 2 de julio de 1997.

CLARK GABLE, EL REY DE HOLLYWOOD

Vamos con uno de los más emblemáticos galanes de la época dorada de Hollywood, el rey. William Clark Gable nació en Cadiz, Ohio el 1 de febrero de 1901. Su padre era un trabajador en los campos petrolíferos que por todos los medios intentó cultivar en su hijo el deseo de trabajar en ese ambiente. Su madre falleció cuando él solo contaba con siete meses de edad, no obstante su padre se volvió a casar y el pequeño Billy, que así era como le llamaban, tuvo una maravillosa madrastra que le crió y quiso como si fuera su propio hijo.

Sus primeros contactos con la farándula fueron como tramoyista y chico de los recados pero cuando su madrastra murió volvió con su padre a los campos de petróleo. Sin embargo su deseo más intenso era volver al mundo que le había cautivado y así lo hizo dando un gran disgusto a su padre que estuvo sin hablarle por diez años.

Fue una actriz retirada la que le introdujo completamente en el mundo del celuloide con papeles en el cine mudo. Mujer cultivada catorce años mayor que él con la que se casó por cierto. En aquella época tenía fuertes competidores como James Cagney, Humphrey Bogart o Spencer Tracy, (Gable no era el hermoso galán que ahora todos recordamos, en una ocasión fue rechazado para un papel porque consideraron que sus orejas eran demasiado grandes y despegadas de su cabeza llegándole a decir que parecía un mono). Pasó hambre en su juventud, tenía un aspecto delgaducho y con mal color, y poseía una dentadura desastrosa que la Metro se encargó de arreglar con un hermoso juego de dientes postizos. Su carrera era lo más importante para él llegando a primarla por delante de sus parejas así que por interés se divorció de su primera esposa y se casó con una mujer poderosa que le ayudó a mejorar como actor diecisiete años mayor que él.

Los papeles de hombre tierno y romántico no casaban muy bien con él. Su aspecto era rudo y agresivo. Sin embargo la Depresión preparó al pueblo para un nuevo tipo de protagonista, un hombre que dominaba a las mujeres con su fuerza y cinismo. En Un Alma Libre de 1931 interpretó su papel de "súper macho sexy" catapultándolo a la fama.

Una de sus parejas cinematográficas fue Jean Harlow, protagonizaron cinco películas juntos y hacían saltar chispas en la pantalla en sus escenas de amor.

Rodando Casado por Azar en 1932, conocería a la que más tarde sería su tercera esposa, la también actriz Carole Lombard que por aquel entonces estaba casada con William Powell. No obstante su felicidad juntos duraría poco ya que Lombard fallecería en un accidente de aviación solo tres años después de la boda, lo cual sumió a Gable en una profunda depresión que al final hizo que se alistara en el ejército.

En 1934 decidió que ya estaba harto del papel de hombre rudo y le consintieron protagonizar una comedia en la que no puso mucho interés, Sucedió una Noche, que sin embargo le reportó su primer Oscar. También tuvo un papel destacable en una cinta que seguramente muchos de nosotros conocemos, Rebelión a Bordo que se llevó el Oscar a la mejor película. Pero sin duda el punto culminante de la carrera de Gable sería Lo que el Viento se Llevó en 1939. El personaje de Rhett Butler permanecerá para siempre en la memoria colectiva con su prestancia y carácter. Gable no se llevaría ninguna de las estatuillas de las diez que la película ganó aunque estaba nominado.

Después de abandonar el ejército volvió al cine con algunas películas bastante mediocres y en 1953 protagonizó una de sus más conocidas películas Mogambo de la que existe crítica en el Motel.

Finalizado su contrato con la Metro fichó por la Century Fox protagonizando dos películas de acción, Cita en Hong Kong de Edward Dmytryck y Los Implacables de Raoul Walsh. Creó más tarde su propia productora pero sin demasiado éxito así que decidió probar con la Warner y rodar La Esclava Libre con Yvonne de Carlo y Sidney Poitier, una mala réplica de Lo que el Viento se Llevó que pasó sin pena ni gloria.  Poco después Burt Lancaster le propuso coproducir y coprotagonizar Torpedo, un tema bélico con cierta repercusión en las taquillas. Su última película fue Vidas Rebeldes, 1960, un western contemporáneo junto a Marilyn Monroe.

Se casó en total cinco veces y cuando supo que al fin iba a ser padre falleció de un ataque al corazón dos días después de finalizar el rodaje de Vidas Rebeldes, el 16 de noviembre de 1960. No llegó a conocer a su hijo.

Gable tenía fama de tacaño ya que el hambre pasado en su juventud hacía que tuviera tendencia a guardar para enfrentar una eventual escasez, sin embargo nadie puede negar que su imagen de virilidad era fácilmente aceptable para hombres como para mujeres.

CHRISTOPHER LEE, AMOR AL PRIMER MORDISCO

Ver el nombre de Christopher Lee y asociarlo a Drácula es casi automático, un caso mimético comparable a Boris Karloff como Frankenstein, Jonnhy Weismuller como Tarzán o Sean Connery como Bond. Tampoco es de extrañar esta asociación ya que Lee protagonizó diez películas con la productora Hammer interpretando el papel del chupasangres.

Christopher Frank Carandini Lee nació en Londres el 27 de mayo de 1922 de madre italiana y padre militar que cuando él solo contaba cuatro añitos se divorciaron. Debutó en el cine en 1948 con una breve aparición en Hamlet, la adaptación que Laurence Olivier hizo de la obra de Shakespeare.

Su altura, 1,96, fue en principio un motivo de discriminación, sin embargo consiguió sacarle un formidable partido al final ya que su delgadez, su prestancia majestuosa y altiva, su apostura, su mirada fría y dura y su aire de dominio, le facilitó el obtener papeles de villano. Fue precisamente un papel como ese con el que dio el salto a la fama en La Maldición de Frankenstein en 1957 llevándolo a firmar un contrato con Hammer Productions. Gracias a este hecho conoció al que luego sería su amigo y compañero de reparto en más de una ocasión Peter Cushing.

Durante la década de los 60 y 70 continuó con su papel de Drácula en varias secuelas de la productora, nada menos que diez como comenté al principio. Aunque también interpretó a Fu-Manchú de manera alternativa. En 1959 coincidió con su amigo Peter Cushing en El Perro de Baskerville, otra de esas películas fantásticas que merece la pena ver.

Con su propia productora hizo películas como La Noche Infernal en 1973 o La Monja Poseída en 1976. Después de tantos años de protagonizar películas de terror decide cambiar de registro y probar otros papeles más amables como en La Vida Privada de Sherlock Holmes de Billy Wilder aunque la mayoría de las veces es de villano como Scaramanga el villano de Bond en El Hombre de la Pistola de Oro en 1974 o el Conde Dooku en la saga de Star Wars.

Algunos de sus últimos trabajos han sido Saruman en la maravillosa trilogía de El Señor de los Anillos y el padre de Willy Wonka en Charlie y la Fábrica de Chocolate, maravillosa película de Tim Burton que a mí personalmente me encanta.

Poca información he encontrado sobre su vida personal más allá de que se casó una sola vez y tuvo una hija, aparte de esto es el actor de su generación más prolijo en películas, nada menos que 281. Falleció el 7 de junio en Londres a la edad de 93 años. Sin duda el mejor Drácula de la historia del cine.

AVA GARDNER, EL ANIMAL MÁS BELLO

Mirando a esta mujer no sorprende el calificativo de "el animal más bello", realmente es una de esas mujeres de mirada intimidante, salvaje hermosura y segura de sí misma que cautiva y me atrevería a decir que tanto a hombres como a mujeres. Ava Lavinia Gardner nació en Carolina del Norte, Estados Unidos en diciembre de 1922 en el seno de una familia numerosa cuya vida giraba en torno a la explotación de una plantación de tabaco. La belleza de esta mujer atrajo la atención de un ejecutivo de la Metro Goldwyn Mayer cuando vio su fotografía en el escaparate del establecimiento que regentaba su cuñado y le ofreció hacerle unas pruebas que Ava con 18 años aceptó sin dudar.

Hizo pequeños papeles hasta que llegó su gran oportunidad con "Forajidos", película de la que hicimos crítica en el Motel, esta cinta supuso no solo su descubrimiento de cara a la gran pantalla, sino también el de su compañero de reparto Burt Lancaster. A partir de ahí comenzó a protagonizar algunas de sus más emblemáticas películas como "Venus era Mujer" junto a Robert Walker o "Soborno" con Robert Taylor.

Fue en esta década de los cuarenta cuando contrajo matrimonio con Mickey Rooney, un matrimonio que estaba condenado al fracaso desde el principio, duró escasamente un año, y que parecía ser una estrategia publicitaria de la Metro ya que el pequeño actor de 1,57 cm de estatura competía en popularidad con el galán Clark Gable de 1,85 cm de estatura. Ava hizo escarnio de su esposo a cuenta de su estatura y él decidió humillarla hablando de sus preferencias sexuales. Muy mal, eso no se hace, es muy poco caballeroso. Mantuvo después una relación amorosa con otro cuyo nombre ya comienza a serme familiar ya que hubo otras actrices de la época que sucumbieron a sus encantos, el millonario Howard Hughes, idilio que le reportó más de un dolor de cabeza cuando en una ocasión le lanzó un cenicero a la cabeza dejándola inconsciente. Pero no fue este el único hombre que la maltrató, hubo un actor, George C. Scott con el que coincidió durante el rodaje de "La Biblia" que la golpeaba cuando estaba borracho. Se casó por segunda vez con un músico de jazz con el que fracasó estrepitosamente también llegando a durar el matrimonio un año justo.

Cinematográficamente hablando fueron los años cincuenta los mejores de su carrera profesional, con cintas de cierta relevancia como "Magnolia"o "Pandora y el Holandés Errante" película esta que llevaría a Ava a enamorarse de España ya que varias de las escenas fueron rodadas en la Costa Brava. Comenzó aquí su idilio con nuestro país y con algunos de los toreros más reconocidos de la época como Mario Cabré que interpretó el papel de torero en dicho film, o Luis Miguel Dominguín. Se casó por tercera vez, con Frank Sinatra su matrimonio duró un poco más que los anteriores, seis años, aunque también este resultó ser una relación tormentosa, la torturaba fingiendo que se suicidaba, (recuerdo de otra actriz, Ingrid Bergman, que también vivía con la amenaza constante del suicidio por parte de su marido). Durante esos años protagonizó películas por todos los amantes del cine conocidas "Las Nieves del Kilimanjaro" en 1952 junto a Gregory Peck, "Mogambo" junto a Clark Gable y Grace Kelly, papel este que le valió una nominación a los Oscar.

Se afincó en España durante los años sesenta y durante esa década sus apariciones en el cine fueron más bien escasas con unas pocas cintas reseñables como “55 Días en Pekín” junto a dos grandes como Charlton Heston y David Niven. En 1964 protagonizó junto a Richard Burton “La Noche de la Iguana” siendo esta su última película de interés.

Cuando contaba con 65 años decidió que sus memorias tenían valor, como ella misma dijo: “Mis vicios y mis escándalos son más interesantes que lo que cualquier novelista pueda fantasear”. Así que se buscó un negro que le escribiera sus memorias. El animal más bello falleció en Gran Bretaña en 1990 a la edad de 67 años.