MARILYN MONROE O LAS CURVAS AL INFIERNO

Marilyn Monroe es de esas mujeres que permanecerá para  siempre en la memoria colectiva como el mito e icono sexual por excelencia, sin embargo, como muchas otras rutilantes estrellas de Hollywood, tuvo una dura e infeliz infancia. Abandonada al nacer en casa de unos vecinos, fue recuperada por su madre cuando ya contaba con siete años. Una mujer con un grave problema mental que la propia Marilyn sospechó heredaría hasta el mismo día de su muerte. Se podría decir que tuvo un padre indeterminado ya que uno de los maridos de su madre fue el que le dio su apellido noruego, Mortenson.

Norma Jean Mortenson pasó su infancia en varias casas de acogida que diríamos en la actualidad, y se vio envuelta en asuntos  de malos tratos y abusos sexuales, así que a los dieciséis años se casó para no verse obligada a volver al orfanato. Su joven esposo se alistó en la marina mercante y fue enviado a Catalina Island, donde había muchos marineros y muy pocas mujeres. Pronto descubrió su bella esposa el inmenso poder que estaba a su alcance, en cada una de sus curvas. Así fue descubierta por un fotógrafo para revistas masculinas y posando como modelo se le abrieron  las puertas de Hollywood. Sus primeras intervenciones cinematográficas fueron tan intranscendentes que su contrato con la productora no duró ni dos años, sin embargo no pasó desapercibida para hombres como Orson Welles o Charlie Chaplin Jr.  del que quedaría embarazada y más tarde abortaría.

Todos la querían por su escultural cuerpo y le ofrecían papeles de rubia tonta dado el, por el momento escaso, talento de Marilyn, (se esforzó por prepararse concienzudamente para su carrera cinematográfica, sin embargo este talento quedaba siempre oculto tras su magnífica figura).

El rodar nada menos que cinco películas en un solo año que poco  aportaron a su carrera de actriz, y el fallecimiento de John Hyde, su amante y protector, le llevaron a tontear con los sedantes y las anfetaminas hasta el punto de intentar suicidarse. Fue gracias precisamente a Hyde que Marilyn obtuvo su primer papel importante en “Jungla de Asfalto” de John Huston en 1950.

 Sus generosas curvas y cara inocente de ojos enormes y desmesurados son expuestos en el musical “Los Caballeros las Prefieren Rubias” dirigida en 1953 por Howard Hawks. La crítica del momento consideraba aceptable  la cinta gracias precisamente a la belleza y exuberancia de las actrices en general y de Marilyn en particular.

 En 1954 contrajo matrimonio con Joe DiMaggio, estrella del beisbol americano, que difícilmente podía soportar que Marilyn siguiera mostrando sus bondades al gran público. La puntilla para este sufridor esposo fue el rodaje de “La Tentación Vive Arriba” del gran Billy Wilder  en 1955. Las esculturales piernas  de Marilyn en todo su apogeo con miles de ojos devorándola fue el desencadenante para iniciar los trámites del divorcio.

 En 1956 contrae matrimonio en secreto con el dramaturgo Arthur Miller llegando a ser el blanco de comentarios jocosos por parte de la prensa  dada la gran diferencia intelectual entre ambos. Comienza en 1957 el rodaje de “El Príncipe y La Corista” junto a Laurence Olivier. Se originaron tales desavenencias entre ambos dentro y fuera de la pantalla que el propio Miller tuvo que intervenir como mediador. En plena cumbre de su carrera acepta a instancias de su esposo un papel secundario en la película “Con Faldas y a lo Loco”, pero Billy Wilder no era un director de poca monta al que se le decía que no. Rodó la película embarazada y bellísima, haciendo suspirar a propios y extraños en un papel que no pocos definieron como una interpretación de sí misma. (Abortó un día antes de finalizar el rodaje).

De nuevo saltaron las chispas y no de amor precisamente durante el rodaje de “Vidas Rebeldes” en 1961 junto a Clark Gable y basada en un guión del propio Miller. Fue tal el enfrentamiento que cuando poco después de finalizar el rodaje Gable falleció de un ataque al corazón, hubo quienes culparon a Monroe por lo ocurrido. También esta fue la última película de la actriz ya que su fallecimiento aconteció durante el rodaje de lo que sería su vigesimonoveno film.

Por todos es bien conocida su relación con John F. Kennedy, relación esta que mantuvo durante la década de los cincuenta con encuentros esporádicos a espaldas del esposo “en vigor”. Mientras la vida de Marilyn  se desmoronaba la carrera política del senador subía como la espuma. Su divorcio de Miller la dejó tan sumamente deprimida que sus amigos decidieron ingresarla en una clínica mental. Sin embargo gracias a uno de sus ex maridos fue sometida, lejos de aquella clínica, a una cura de desintoxicación. Sin embargo sus escarceos con la droga no terminaron ahí. Todos recordamos el famoso Happy Birthday Mr. President en el que Marilyn aparece no solo exuberante sino como abducida por las luces de la Casa Blanca representada por su amante Kennedy.  La necesidad acuciante de amor sincero que buscaba en JFK nunca se satisfizo llevando a la actriz al desequilibrio que desembocó en la ruptura unilateral y sin miramientos de Kennedy. Éste como si de un traje que aún está en buen uso se tratara, se la “cede” a su hermano Bob que por aquel entonces era el fiscal general y que con el tiempo también “desechó” a Marilyn. Despechada intentó dar una rueda de prensa para airear sus escarceos con el presidente y el fiscal general de los Estados Unidos de América. Podemos imaginar el escándalo de proporciones épicas que esto hubiera supuesto.

 Marilyn era una mujer con escasa confianza en sí misma que siempre actuaba de buena fe siendo traicionada en más de una ocasión por sus “amigos”. Nuestra querida Marilyn falleció el 5 de agosto de 1962 por sobredosis con barbitúricos en la más absoluta soledad, después de mendigar durante toda su vida amor y cariño y recibiendo únicamente reconocimiento por ser la mujer más sexy de la tierra.

Jezabel, miradas que enamoran y que matan

A veces resulta difícil encontrar cine clásico en las plataformas actuales, así que había que aprovechar que la emitían en la televisión y no perdernos esta joyita de William Wyler protagonizada por Bette Davis y Henry Fonda. Una vez más Davis se come la pantalla en todos los planos en los que aparece. Su porte, da igual cuál sea el papel que esté interpretando, resulta de algún modo soberbio y majestuoso. 

Nuestra protagonista es un ser caprichoso e inmaduro que no duda en hacerse el centro de atención anteponiendo sus propios intereses a los de los demás. Pagará un alto precio por ello. Henry Fonda en su papel de prometido da una lección más que merecida a Julie/Bette Davis y también está fantástico en su rol.

La Jezabel de la Biblia no tuvo un buen final. La Jezabel que nos ocupa no tuvo un final tan dramático, ¿o sí? 

Pues no podemos decirlo sin destripar cariño así que todos tendrán que verlo si quieren saber cómo acaba esta sureña interpretada por la Davis.

Ciertamente la cinta tiene algunos momentos icónicos como el baile que el personaje de Fonda usa para darle la lección más dura que le han dado a Julie y qué decir de los diálogos entre el entorno sureño y la recién llegada norteña en un determinado momento de la película. Máxime cuando creo que, si hoy en día no parecen cerradas, en los años treinta del siglo pasado aún debían sangrar las heridas de la guerra librada para acabar con la esclavitud.

Nunca he visto tan bella a Davis como aquí y con unas miradas tan capaces de incitar al pecado como de convertirte en piedra o incluso matarte si eso fuera posible. Está sublime en su interpretación, con Fonda un poco a la zaga pero maravilloso. No puedo dejar de mencionar a Fay Bainter, que interpreta a la tía de Davis, y que es la mejor actuación secundaria del film por mucho.

La dirección de Wyler termina de redondear una película que, quizá menos famosa que otra con la que coincide en temática como es Lo que el viento se llevó, pero que indudablemente merece ser vista por los fans de Bette Davis en particular y del cine con mayúsculas en general.

Alarma en el expreso, pasajeros al tren.

 

Vuelven los clásicos con Aurora y qué mejor que con una pelicula de Alfred Hitchcock de la que ciertamente no había oído hablar. Cuando ves este tipo de filmes, quiero decir antiguas, esta cinta es de 1938, te das cuenta de que no hay nada novedoso en el cine actual, o si acaso muy poco. En este caso una persona desaparece en el tren Trascontinental y cuando su acompañante comienza a buscarla preguntando a otros pasajeros, nadie recuerda haberla visto. ¿Os suena? A mí sí, sobre todo una escena muy similar a una de la película Plan de vuelo: Desaparecida de Jodie Foster.

Algunas escenas nos parecían un tanto atrevidas para la época pero Hitchcock era un mago no solo  del suspense sino de burlar la censura. Como ese beso que Ingrid Bergman le da a Cary Grant en Encadenados haciendo que el beso sea más largo de lo permitido gracias a pequeñas interrupciones en el beso, así se están besando durante mucho más tiempo de lo que dictaba el decoro. Dicho esto me vuelvo a centrar en la cinta que nos ocupa. Por momentos es difícil no sentir la angustia de la joven que inicia el viaje para reunirse con su prometido y desesperada recorre el tren en busca de la dama que la acompaña. Considero que es una gran película pero por desgracia no es de las más conocidas del maestro del suspense, aunque debería.

Bueno ya doy paso a la reflexión más sesuda de mi querido Sr. Purgatorio.

Ciertamente cariño no es de las más conocidas de Hitchcock, ni su reparto sería el más estelar de la época pero eso no es impedimento para que una cinta de un nivel más que aceptable, muy por encima de la media de mucho cine como churros que se hace cada año en los días que vivimos.

Tito Alfred como siempre, sabe esconder sus cartas aunque el haber visto a día de hoy tanto cine te hace intuir ciertas cosas. Además, como diria King, recoge posiblemente uno de los terrores cotidianos más recurrentes, que alguien con quien estás desaparece y nadie te cree, ya sea sinceramente o porque te están haciendo luz de gas.

El coral reparto está muy bien y es algo de lo que, cuanto más cine clásico veo, más consciente soy, esto es, que en aquellos tiempos el nivel medio de los intérpretes era superior al de las últimas décadas. No porque yo sea de esos que piensan que todo pasado fue mejor en todos los sentidos, sino porque tengo la sensación de que se tomaban su profesión mucho más en serio que la mayoría de la actualidad.

Curioso ver las escenas en las que claramente son todo maquetas, práctica habitual en aquellos tiempos y algunos posteriores en los que no todo se podía arreglar digitalmente.

Atrapa a un ladrón, antes de que te robe el corazón

Qué ganas tenía de volver a ver esta película y que mi querido esposo la disfrutara por primera vez. Nunca me canso de Cary Grant, me parece no solo uno de los mejores galanes de la época dorada de Hollywood, sino el mejor. La elegancia de Cary Grant en esta película es sublime y su compañera de reparto no podía ser más hermosa. Rodando esta película Grace Kelly conoció al príncipe con el que un año más tarde se casaría. Algunas escenas me parecen fantásticas. Grant se zambulle en el agua mostrando su fantástica forma física y una joven celosa se atreve a llamar "vieja" a Frances/Grace cuando esta contaba con tan solo 26 años. Marcado contraste con Grant que ya tenía 51 años. 

Es una cinta que tiene intriga, glamour y romanticismo a partes iguales. Mereció el Óscar a mejor fotografía del mismo modo que el Sr.Purgatorio lo merece por ser el mejor marido. 

No sé si seré el mejor marido pero si que estoy seguro de que ni en mis sueños imaginé nunca que ib a tener una esposa y compañera de vida como tú. Si hay algo en lo que me ha sonreído la vida es en estos últimos años convulsos, eres tú. Y después del momento moñas vamos con lo importante, hablar de esta maravilla, una más, de Hitchcock.

Poco más puedo decir ya de Grant porque siempre lo bordaba sin importar el género y sus trabajos con Hitchcock son una muestra constante de ello. Las dos féminas coprotagonistas le dan la réplica perfecta con escenas maravillosas como la mencionada por mi amada en el mar y también en los momentos que comparten a solas cada una con Grant.

Hablando ya del genio Alfred, las tomas en las persecuciones de coches y lo bien que transmite la tensión cuando Kelly va conduciendo, a pesar de la obviedad de que muchos momentos son rodados en estudio con el coche sin moverse del lugar me parecen dignas de elogio. Las caras de Cary, como siempre, impagables. Además quién no ha intentado pisar el freno como él cuando vas de copiloto con alguien que connduce como un loco.

Quizá por haber visto ya tanto cine, lo que menos pueda sorprender sea el guión, porque hoy el tema del ladrón que ayuda a la policía o que va a por otro ladrón es algo recurrente. Así con todo, los giros, aunque se vean venir, son suaves, a diferencia de la conducción de Grace, y los disfrutas hasta llegar a una resolución que te mantiene el corazón en un puño en esos verdes tejados. Una más de mis pendientes vistas y otra que se cuela entre mis preferidas. 

Con Faldas y a lo Loco, perfecta para la entrada 600

"Cariño, ve pensando una peli, un clásico para la entrada 600 del blog." Con estas "instrucciones " de mi querido motelero se dispuso mi cabeza a trabajar para que la película elegida fuera especial, como especial es haber llegado a 600 entradas. Tenía claro que tenía que ser una comedia y no podía ser otra que Con Faldas y a lo Loco. Estoy segura de que no hay amante del género que no "idolatre" esta cinta. El maravilloso trío protagonista creo que no tiene parangón dentro de la época dorada de Hollywood. Jack Lemmon y Tony Curtis están magníficos en su papel de músicos que huyendo de una redada en un tugurio en el que el "café" fluye de manera descontrolada en un país en el que impera la ley seca, son testigos de un tiroteo por parte de una banda mafiosa. Al ser descubiertos huyen disfrazados de mujer como músicos en una banda femenina. Esa imagen de Josephine/Curtis y Daphe/Lemmon no tiene precio. Y eso sin hablar de la bellísima y exhuberante Marilyn Monroe, que deja a más de uno sin aliento con una figura llena de curvas que quita el hipo. (Sí, ya sé que te encantan sus curvas querido, pero ¡respira!). Eso es una mujer y no muchas de las escuálidas que esta sociedad absurda nos quiere imponer como cánones de belleza.

Billy Wilder el director, nos trae una de las comedias más divertidas llena de diálogos ingeniosos y situaciones tan cómicas que no os la podéis perder, nuestros protagonistas caminando en tacones, la fiesta en el tren, y los hombres que pretenden a nuestras "protagonistas" son incomparables dentro del cine de humor blanco y sin zafiedades. Ganadora de un Oscar al Mejor Vestuario, es una cinta merecedora de más de un visionado.

Espero querido que mi elección haya sido de tu agrado, y que no solo te hayas reído sino que hayas disfrutado de ese regalo para la vista que es Marilyn.

Como siempre cielo, tu elección fue inmejorable y siempre es agradable ver a Marilyn con todas esas curvas, aunque más agradable aun es la realidad que yo puedo ver de vez en cuando. Hay que decir que hoy es casi imposible ver a una actriz comerse así la pantalla con vestidos así de ajustados y que al ponerse de perfil se le note que incluso tiene esa curvita en la tripa que hoy molesta tanto pero que a mi, personalmente me gusta más que esos vientres exageradamente planos que tan de moda están.

La historia puede no sorprender a muchos en estos tiempos, pero travestir a dos de los mejores y más conocidos actores del momento como eran Lemmon y Curtis y tener incluso un par de escenas donde de manera más o menos explícita se trata el tema "LGTB" ya la hacen muy arriesgada tanto en guión como en ejecución.

La cuestión es que, a diferencia de muchas comedias actuales, no estamos ante la típica sucesión de gags que en el fondo no nos cuentan nada, sino que aquí todo tiene sentido para llevarnos de la mano por una trama de enredos en la que la química del trío protagonista y la mano de Wilder en la dirección la encumbran a la categoría de obra cumbre del género, del cine y en una de esas cintas imprescindibles en la lista de "vistas" de cualquier cinéfilo que se precie.

Como dicen en la última y conocidísima escena, nadie es perfecto. Lo que si puedes encontrar es a esa persona que es perfecta para ti y con ello basta. Esperamos seguir con vosotros al menos cien entradas más.

BORIS KARLOFF, TERRORÍFICAMENTE GENTIL

En realidad a Boris Karloff o William Henry Pratt, ese era su verdadero nombre, nunca le gustó especialmente el cine fantástico y de terror, sin embargo no le importó quedarse encasillado en papeles de dicha temática. Sus rasgos particulares, su dicción y una curiosa fotogenia, le convierten en la perfecta representación del villano. Nació en Londres el 23 de noviembre de 1887 y aunque en principio su deseo era ser funcionario en una embajada, su familia se traslada a Canadá en 1909 donde comienza una precoz carrera teatral que le llevaría a Hollywood debutando en el cine con la película "La Muda de Portici" en 1916. Su verdadero salto a la fama lo dio en 1931 de la mano de Howard Hawks en "El Código Penal" donde interpreta a un verdugo.

Ese mismo año alcanzó el estrellato Bela Lugosi por su papel como Conde Drácula, actor de origen húngaro en el que se pensó en un principio para la película "Frankenstein". El actor rechazó el papel por temor a que no se le reconociera tras el maquillaje, así que el director James Whale recurrió a Boris Karloff para interpretar al monstruo, consagrándolo como maestro del cine de terror. Sin embargo ambos coincidirían en siete películas "The Black Cat", que se tradujo como "Satanás", de Edgar G. Ulmer en 1934, "El Cuervo" del director Lew Landers en 1935, "The Invisible Ray" de Lambert Hillyer en 1936, "The Son of Frankenstein" dirigida por Rowland V. Lee en 1939, "Black Friday" de Athur Lubin en 1940 o "The Body Snatcher" de Robert Wise en 1945.

Estas conjunciones cinematográficas dispararon una serie de rumores sobre la rivalidad entre ambos actores, sin embargo su hija en La Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián del 2000, rechazó todos esos rumores alegando que ambos se profesaban un mutuo respeto profesional y que fue cosa de la prensa el intentar que creciera una enemistad que nunca existió.

Muchas veces se le preguntó a su única hija Sara, fruto de su relación con Dorothy Stine, si su padre tenía algo en común con los personajes que interpretaba. "Era la antítesis de los papeles que representó, era un hombre gentil, cariñoso y modesto que trabajó mucho por mejorar las condiciones de trabajo de los actores poco conocidos".

Sin duda la década de los treinta fue su mejor década con más de cincuenta películas entre las que cabe destacar, además de todas las protagonizadas junto a Bela Lugosi, "Scarface" un drama criminal de Howard Hawks; "La Máscara de Fu-Manchú" del director Charles Brabin o "La Momia" de Karl Freund.

Otros títulos dignos de mención son "La Novia de Frankenstein" dirigida por James Whale, director con el que trabajó en la cinta que le lanzaría a la fama, "Frankenstein" o "The Walking Dead" de Michael Curtiz.

Pero también participó en otros géneros como fue "La Patrulla Perdida" cine bélico del director Jonh Ford e incluso se atrevió con la comedia "La Vida Secreta de Walter Mitty" en 1947 junto al genial cómico Danny Kaye en una adaptación de la novela de James Thurber que fue llevada de nuevo al cine en 2013 dirigida y protagonizada por Ben Stiller.

Muy poca información he encontrado sobre él a excepción de que se cambió el nombre para no deshonrar a la familia, recordemos que había iniciado una carrera diplomática, su padre era diplomático en Londres. Abandonar una carrera como la que había emprendido para hacerlo en busca de suerte en el mundo de la farándula no podía de ningún modo ser del agrado de su familia. Por otra parte, como se mencionó, era un hombre afable y gentil que nada tenía que ver con los personajes que interpretaba, tuvo cuatro relaciones y una única hija a la que llamó Sarah.

Con más de doscientas películas en su haber, Boris Karloff continuó trabajando hasta poco antes de su muerte en una serie de cintas de terror del director mejicano Juan Ibáñez, "La Muerta Viviente", "Invasión Siniestra", "La Cámara del Terror", y "Serenata Macabra" todas ellas en 1968.

El 2 de febrero de 1969 fallece en su casa de Sussex, Gran Bretaña, dejándonos el legado para siempre del monstruo que la torturada alma de Mary Shelley plasmó en su novela, pero esa es otra historia.

Frankenstein 1931, los clásicos también pueden dar mucho miedo

Siempre que vemos este nombre pensamos en el monstruo  de cabeza grotesca y cuadrada cuyo cráneo está atornillado. Lo cierto es que, y creo que no descubro nada, Frankenstein no es el nombre del monstruo sino de su creador. Supongo que el afán del ser humano en muchos casos reside en jugar a ser Dios y crear vida. Esta vez es una película de más o menos terror, pero lo cierto es que se sigue experimentando y probando "el dedo de Dios" una y otra vez. Bueno filosofías aparte, esta joyita del cine clásico del terror de 1931, no podía más que ocupar una de nuestras noches de "pelimantacariñines". A pesar de que era una cinta que ya había visionado de jovencita, recordaba muchas de sus escenas, quizás es porque marcó mi mente tierna y cándida. Descubrir aquel ser monstruoso e iracundo no puede dejar indemne una sensibilidad adolescente de los años setenta. En fin, que me disperso una vez más, la película de corto metraje y desconocidos actores en su mayoría, al menos para mí, no hace que sea menos valiosa para cualquier cinéfilo clásico que se precie o a cualquier amante del cine de terror de ayer y de hoy. Los gritos del monstruo magníficamente interpretado por Boris Karlof ponen los pelos como escarpias al espectador. No podemos obviar la escena de la dulce e inocente niñita que de manera amigable, tal y como hacen los niños le regala una flor. Quizás fuera esa la escena que más me impactó principalmente por todo lo dicho con anterioridad. Creo que la música es acertada en una ambientación oscura y húmeda, no solo porque la cinta fuera en blanco y negro, sino porque el entorno así lo requiere.

Mucho ha avanzado la ciencia desde entonces, todo tipo de trasplantes se han hecho, incluso los nazis hicieron experimentos tan horribles que mejor no mencionar, sin embargo aprovechemos todo lo bueno de la ciencia pero dejemos a un lado las aberraciones.

Creo que me he puesto demasiado filosófica para decir que la película me gustó y que merece vuestro visionado. Yo seguiré disfrutando de pelis con el "monstruo" del amor rondando a mi vera.

Si, cielo, así rondo yo en las oscuras noches, tan oscuras como esos primero y sublimes minutos de esta cinta cuya ambientación es de las mejores que he visto, no solo en cine clásico, con una primera mitad que pone la carne de gallina, gracias en parte a la música pero sobre todo por los guturales alaridos que brotan de la garganta de ese ser al que, jugando como siempre a ser Dios, trata de crear un hombre demasiado pagado de sí mismo y que justifica todo en nombre de la ciencia.

Siendo sincero, yo ni siquiera a Karloff lo conocía más allá del nombre así que para mi todo el reparto es desconocido y de nuevo, como me sucedió con El retrato de Dorian Gray, donde tampoco me sonaba nadie pero todos me parecieron estar muy por encima de lo que se suele ver hoy en día en una producción de medio calado. Evidentemente es quien encarna al monstruo quien más impacta y no me extraña que a mi amada Sra. Purgatorio le sucediera eso, teniendo en cuenta que el cine de terror no es de sus favoritos y que incluso a veces, cuando hemos visto las películas en la distancia, ha tenido que dejar su visionado. No obstante, considero que hay interpretaciones muy destacables en este pequeño, por su duración, film que no deberían pasar inadvertidas para los amantes del buen cine sea del género que sea.

En definitiva nos encontramos ante una cinta que se ve en un suspiro y que demuestra que desde hace mucho tiempo está casi todo inventado, sobre todo en lo que a ambientación se refiere y que supuso el inicio de la leyenda de uno de los actores más importantes en un género que suele recibir pocos halagos del gran público y aun menos de la crítica. Espero que mi preciosa flor me traiga más de estos monstruos y de ese celuloide en blanco y negro que asusta sin necesidad de grandes efectos especiales y que yo disfruto como un crío a su lado.

OLIVIA DE HAVILLAND, ESCLAVA DE HOLLYWOOD

Olivia Mary de Havilland es una de las actrices más sobrias y elegantes de la historia del cine. Nació en Tokio el 1 de julio de 1916 y cuando sus padres, abogado él y actriz ella, se divorciaron se trasladó con su madre y su hermana mayor la también actriz Joan Fontaine, a California. Fue descubierta por Max Reinhardt cuando participaba en la obra teatral "Sueño de una Noche de Verano" y le propuso un papel en la película homónima que él mismo dirigiría. Después de este gran trabajo con la Warner emprendería una carrera cinematográfica de cerca de una cincuentena de películas. Durante los años treinta formaría junto al galán Errol Flynn una de las parejas cinematográficas más relevantes y queridas del momento. Su primera aparición juntos fue en "El Capitán Blood" en 1935 del cineasta Michael Curtiz. 

Protagonizaron siete películas juntos siendo alguna de las más destacadas "Robin de los Bosques" y "Camino de Santa Fe" ambas del mismo director, Michael Curtiz. Su última aparición juntos fue en la reseñada cinta del Motel "Murieron con las Botas Puestas". Fue tal la química entre ellos que mantuvieron un sonado romance no sin altibajos. Durante el rodaje de "Camino de Santa Fe", Flynn se las ingenió para que De Havilland saliera de espaldas a la pantalla, según la propia Olivia Flynn estaba celoso porque Jimmy Stewart estaba rodando otra película en el mismo estudio y se pasaba a saludarla pasando mucho tiempo juntos.

Bien conocida es la enconada rivalidad y enemistad entre Olivia y su hermana Joan Fontaine, enfrentadas desde niñas, continuaron con su rivalidad haciéndose constantes desplantes en lugares tan públicos como puede ser una gala de los Oscar. Y siguieron con ella hasta la muerte de Joan Fontaine en 2013.

Su papel más relevante o por el que siempre será recordada es  Melanie en la gran producción de la época "Lo que el Viento se Llevó" de 1937 dirigida por Victor Fleming. Dicho papel le valió una nominación al Oscar como mejor actriz secundaria, según sus propias palabras "fue una de las experiencias más extraordinarias y personalmente más satisfactorias de toda su vida". 

Recibiría dos nominaciones más pero como mejor actriz por su papel en "Si no Amaneciera" bajo la supervisión de Mitchell Leisen, sin embargo el premio se lo llevó su hermana por su papel en "Sospecha" de Hitchcock. Volvió con Leisen a ser nominada como mejor actriz alzándose con el preciado galardón por su interpretación en "La Vida Intima de Julia Norris". Una vez más la enemistad entre las hermanas se hizo patente cuando Olivia ignoró la mano con la que su hermana deseaba felicitarla.

En 1948 volvió a ser nominada a los Oscar por la película "Nido de Víboras" sin embargo fue al año siguiente por su papel junto a Montgomery Clift en "La Heredera" que recibió su segundo Oscar.

Durante un tiempo se erigió en abanderada de los derechos de los actores demandando a la Warner al amparo de la ley anti-peonaje de California, una regulación napoleónica que impedía a los patronos reducir a los trabajadores a la servidumbre ya que consideraba que los actores eran tratados casi como esclavos, propiedad de los estudios cinematográficos a los que estaban ligados. Ante el enfado de la Warner fue suspendida de modo que estuvo sin poder rodar durante todo el pleito que duró tres años. Salió victoriosa en su demanda sentando una jurisprudencia que ha beneficiado a muchos de sus compañeros del gremio.

Después del éxito cosechado con "La Heredera" apareció en algo más de una docena de filmes de los que cabría destacar "La Princesa de Eboli" en 1955, "El Rebelde Orgulloso" de nuevo de la mano de Michael Curtiz; "Aeropuerto 77" junto a Jack Lemmon, James Stewart o Christopher Lee. Su última aparición en la gran pantalla fue con el film "El quinto Mosquetero".

En cuanto a su vida personal, quizás era su enconada rivalidad con su hermana lo más conocido. Rivales no solo en cuanto a éxitos profesionales sino en cuanto a hombres ya que su hermana se casó con un ex novio de Olivia. Se casó en dos ocasiones y se divorció otras tantas sin embargo cuidó de su segundo ex marido Pierre Galante, con el que mantenía una excelente relación, hasta su fallecimiento en 1998. 

Esta mujer que en la actualidad ronda los cien años, reside en París escribiendo unas memorias que sin duda nos dejarán con la boca abierta.

Murieron con las botas puestas después de morir de amor

Uno de los propósitos de nuestras noches de clásicos es tocar todos los palos así que llegó el turno del western que fue calificado como glorioso y absolutamente irresistible. Ciertamente la historia del general Custer con una primera parte hasta cierto punto hilarante, nos narra las peripecias de un  joven  Custer, magníficamente interpretado por Errol Flynn, cuyo descaro e indisciplina le conllevará más de un problema dentro de la academia militar. Sin embargo a pesar de este hecho será enviado a luchar en la Guerra de Secesión, y no solo eso sino que debido a la acuciante necesidad de oficiales será designado para un puesto de mando. Su peculiar manera de dar órdenes de manera brusca, le acarreará una fama nada agradable. Después de la guerra y contraer matrimonio con la hija de un rico banquero, Olivia de Havilland, fue destinado a luchar contra los indios liderando el Séptimo de Caballería, en la famosa batalla de Little Big Horn. Creo que la historia todos más o menos la conocemos y lo desafortunado de las decisiones tomadas a cargo de los nuevos colonos que incumplen casi sistemáticamente sus acuerdos con los auténticos habitantes americanos, los indios. A este respecto me viene a la mente esa gran producción del año 1990 que a mí personalmente me fascinó como fue "Bailando con Lobos" y las terribles injusticias cometidas contra los indios. Pero esta es una cinta que merece su propia crítica, quizás a mano de nuestro magnífico colaborador @frikiblog.

En cualquier caso, "Murieron con las Botas Puestas" es una pequeña joya del cine de la época dorada de Hollywood que merecía un hueco en nuestro Motel. Ellos murieron en la batalla, en la lucha por lo que creían y yo moriría por ti y por el triunfo de nuestro amor.

La verdad, cielo, es que hay cosas y personas por las que merece dar el todo por el todo y sin temor a equivocarme puedo decir que tú eres una de ellas, igual que lo hacía el joven militar por la adinerada muchacha en esta atípica película.

¿Qué por qué digo que es atípica? Pues por lo que mi amada Sra. Purgatorio ha dicho de esa especie de división en dos partes que tiene la historia; una de comedia en la que incluso la relación entre los dos jóvenes enamorados tiene mucho de comedia romántica,  incluida esa criada negra que les sirve de ayuda y otra en la que todo el registro cambia para convertirse en un drama, mostrando el elenco, sobre todo Errol Flynn, una capacidad admirable para cambiar de un tono a otro.

El principal problema de esa dicotomía argumental es que tienes la sensación de que has cambiado de cinta así de repente y hace que cueste mantener la misma conexión con la trama y los personajes. Quizá, como en tantos films biográficos, el problema es que se quieren o necesitan contar demasiadas cosas en poco tiempo, puesto que la vida de personalidades como Caster están plagadas de sucesos importantes y dos horas no dan para tanto. No es que lo que nos cuentan no sea de interés pero el cambio de ritmo y de la manera de contarlo hace que se nos pueda acabar haciendo algo larga a pesar de ser una buena película.

Si  he de quedarme con algo es con las interpretaciones de Flynn y Olivia de Havilland, aunque si de verdad he de quedarme con algo del cine clásico es de disfrutarlo contigo mi amor.

CHARLIE CHAPLIN, EL VAGABUNDO INGLÉS

 Es difícil hablar de Charles Chaplin y no recordar automáticamente al pequeño y entrañable vagabundo de grandes zapatones, pícaro pero de gran corazón. Considerado como uno de los genios indiscutibles que ha dado el séptimo arte, Charles Spencer Chaplin nació en Londres el 16 de abril de 1889 dentro del mundo de la farándula. Su madre Hannah Hill era actriz cómica que aportó un hijo a su matrimonio con Charles Chaplin Senior llegando a ser el hermano mayor e inseparable del pequeño Charlie. Por desgracia su padre cayó en el mundo del alcohol echando a perder su talento encima de los escenarios. Este hecho y la mala salud de su madre hace que debutara con solo cinco añitos en un escenario cantando mientras los soldados le arrojan monedas cual maná caído del cielo. Las clases de mímica que le impartía su madre le convirtieron sin duda en uno de los mejores mimos de la historia del cine y con 25 años creó al vagabundo Charlot dotándole de gran parte de su propia personalidad, plasmando su difícil infancia llena de carencias y dificultades. Apareciendo por primera vez en la película decisiva, "El Vagabundo". Fue tal el éxito de su personaje que llegó a imponerse sobre el propio Chaplin, llegando a sentirse abrumado cuando por fin es consciente de la gran  notoriedad adquirida fuera de sus fronteras. Firmó un contrato con la Mutual por 670.000 $ al año haciendo de él una de las cinco personas en el mundo que ganaban semejante cantidad por su trabajo. Era grande, el rey, sin embargo como él mismo comentó le habían sucedido tantas cosas, que ya no le quedaban emociones; estaban agotadas. No obstante su privilegiada mente no cesaba de trabajar para inventar historias y gags. Las ideas fluyen con facilidad y cuando le preguntan al respecto no es capaz de contestar satisfactoriamente, "a lo largo de los años he descubierto que las ideas surgen cuando se siente un intenso deseo de tenerlas. Al estar deseándolo sin cesar, la mente se convierte en una especie de atalaya para la búsqueda de incidentes que  exciten la imaginación".

En 1918 contrae matrimonio con la joven actriz de dieciséis años Mildred Harris sin embargo el matrimonio apenas dura dos años. Iniciar relaciones con mujeres tan jóvenes fue una constante en su vida que le trajo más de un quebradero de cabeza.

"El Chico" fue su primera película larga en 1921 en la que de manera minuciosa Chaplin nos describe la vida en los barrios pobres de las grandes ciudades americanas, llegando a meter el dedo en la llaga de cierta parte de la, considerada próspera, sociedad americana.

Unas imágenes de buscadores de oro en Alaska excitarán la imaginación de Chaplin llevándole a crear lo que él consideraba iba a ser su gran película "La Quimera del Oro" en 1925.  La demanda de divorcio de su segunda esposa hace que estalle un escándalo de proporciones casi estratosféricas en el que toda la nación toma parte ya que ésta airea su vida íntima con Chaplin poniendo los pelos como escarpias a toda el país. Sin embargo después de firmar la demanda puede retomar aquello que tuvo que dejar pendiente durante el proceso, el rodaje de "El Circo". Su estreno en 1928 constituye un éxito inesperado después del vilipendio al que fue sometido por parte de de la opinión pública.

Un nuevo reto se presentaba ante Chaplin  cuando estaba ya perfilando el guión de su próxima película. El cine hablado ha comenzado una carrera imparable en la que Chaplin no cree. Sin embargo las salas se llenan de espectadores que de ningún modo pueden concebir ya el visionado de una cinta muda. Pero el pequeño Charlot no debe hablar, su mundo es silencioso, su gestualidad es más que suficiente para nuestro Chaplin que contraviniendo sugerencias y enfrentándose a hostilidades, tiene fe en que su nueva película tiene mucho que transmitir y prosigue con la producción de "Luces de Ciudad". Su estreno en 1931 no había despertado ninguna expectación, no había recibido ningún tipo de publicidad así que el propio Chaplin inició una campaña publicitaria con rueda de prensa incluida en la que explicó a todo el que lo quisiera oír, los motivos por los que había hecho una película muda cuando el cine sonoro estaba en pleno auge.

Sorprendentemente Chaplin era una persona sobre la que las ligas de la decencia y los puritanos se cernían como una nube amenazadora. El rodaje de su siguiente película provocó que los periódicos la consideraran comunista e incluso se le acusó de haberla mandado a Moscú para recibir su aprobación. Fue tal la magnitud de la polémica que se vio obligado a dar una rueda de prensa en la que el propio Chaplin explicó: "La historia, ("Tiempos Modernos"), gira en torno a las sorprendentes cosas que pueden suceder a las gentes sencillas, que no quieren ni agredir ni injuriar. Para simbolizar nuestro tiempo, he presentado grandes máquinas en las cuales me extravío". Su estreno en 1936 estuvo rodeado como era de esperar, de una gran expectación alcanzando un éxito totalmente asombroso. Chaplin cierra una etapa con esta cinta en la que nuestro entrañable vagabundo se despide para siempre.

Decide emprender una nueva etapa con el cine hablado que ya había alcanzado su clímax y se decanta con una parodia del dictador Hitler. Una osadía semejante no podía pasar inadvertida hasta el extremo de recibir amenazas anónimas. Contra viento y marea emprende el rodaje de este nuevo proyecto con más ganas si cabe. En 1940 con el panorama político al rojo vivo, Chaplin decide estrenar la cinta. Una vez más resulta un éxito de taquilla aunque no exento de amenazadora animadversión por parte de los simpatizantes de Hitler. "El Gran Dictador" llega a ser una obra maestra con un discurso final en el que el barbero confundido con el dictador nos habla de la libertad que los dictadores desean para sí mientras esclavizan al pueblo y de la necesidad de luchar contra el odio, la codicia y la intolerancia.

A punto de estrenar en Londres "Candilejas", su última película en tierras americanas, recibe la noticia de que el gobierno americano ha abierto expediente contra él acusándolo de supuestas actividades antiamericanas. Definitivamente su historia de amor con Estados Unidos había llegado a su fin.

Nominado al Oscar en varias ocasiones y premiado por la banda sonora de "Candilejas", recibió un Oscar honorífico por toda su carrera en 1971.

Padre de nada menos que once hijos, este genio fue perseguido, vituperado y desde luego incomprendido. Los escándalos por su vida amorosa fueron casi una constante en su vida hasta que encontró el amor definitivo junto a Oona O'Neill de dieciocho años cuando él ya contaba con cincuenta y cuatro años.

Escribió y dirigió gran parte de sus películas además de ser el creador de la banda sonora de más de una de sus cintas. Chaplin falleció en su casa de Suiza el 25 de diciembre de 1977 dejándonos a todos con el recuerdo del entrañable vagabundo de grandes zapatos y pequeño bombín.